LA MÚSICA EN EL CINE
En
todas las películas que vemos hay una BSO o números musicales. El cine no se
entiende sin la música.
Al
comienzo del cine (el cine mudo) no había sonido así que en las salas de cine
había un pianista que tocaba melodías que combinaban con las imágenes.
A partir del cine sonoro,
concretamente con la película “El cantante de jazz”, surge la necesidad de
música específica para las imágenes, la Banda
Sonora.
La música de cine tiene
varias funciones:
-
Nos ambienta en un lugar o una época
-
Construye el suspense en una escena
-
Nos prepara para un cambio (películas de
terror)
-
Enfatiza las emociones
-
Describe los personajes y crea estados de
ánimo
La
música fue reclamada por su capacidad de mostrar emociones y evadirnos de la
realidad.
Etapas
de la música:
1. El cine mudo:
En
todas las salas de cine había un músico que tocaba el piano que improvisaba
según las imágenes de la pantalla. Este músico acentuaba las escenas de
persecución o de terror. La música del cine mudo era estándar para todas las
películas, pero se vio la necesidad de que la música sirviese para expresar y,
por ello, crearon música específica para cada película (1908 “El asesinato del
duque de Guisa”).
A
partir de 1916 comienzan a surgir músicos importantes creadores de estas bandas
sonoras del cine mudo, como Max Steiner o Charles Chaplin.
2. El cine sonoro: Los inicios
En
realidad la primera película plenamente sonora fue “Luces de Nueva York” de
Charles Chaplin.
Esta
invención permitió que la Warner saliese a flote después de estar en la
bancarrota. Con el cine sonoro comenzaba una etapa en la música de cine. Aparecieron
el director musical y el compositor.
Al
principio aprovecharon la música clásica o popular (Beethoven, Mozart, etc).
Buñuel aprovechó el “Mesías” de Haendel en su película Viridiana. Pero aparte
de esto, nació la música clásica compuesta específicamente para el cine por
autores “clásicos”.
Hay
autores que solo se especializaron en el cine, como Max Stenier (“Casablanca”, “Lo
que el viento se llevó”), Erich Korngold
y Friedich Hollander
3. La década de los 40 y 50:
La
banda sonora alcanza ya la perfección, por esto se le llama la Edad de Oro.
Se
producen varios cambios:
1- Se
consolida la banda sonora en el cine
2- Se
inventa la pista de tres bandas
3- El
compositor va al rodaje y conoce lo que sucede
Varios
autores destacan en esta época, entre ellos, Alfred Newman (“Cumbres
Borrascosas” y “La Túnica Sagrada”). Este compositor sobresalía por las
películas de tema religioso. Otro autor es Hugo Friedhofer, autor que hizo
temas llenos de carácter y con una gran orquestación. Una de sus obras es la
BSO de “Los mejores años de nuestra vida”. Finalmente también destaca Miklos
Rozsa, responsable de la banda sonora de “Recuerda” (Alfred Hitchcock, 1945),
en su primera etapa, y en su segunda películas como “Ben-Hur” o “Quo Vadis”.
A Bernard Hermann se le puede considerar uno
de los compositores más importantes de cine. En “Ciudadano Kane” demuestra sus
dotes para expresar el terror. Es compositor también de música clásica, aporta
gran calidad a sus obras. Compuso la magistral banda sonora de “Psicosis”, en
1960 y la de “Vértigo” en 1958.
A
finales de esta etapa se nota la presencia del jazz y el nacimiento del
cinemascope, una nueva técnica que buscaba atraer al público y combatir el
creciente éxito de la TV. La primera película que lo utilizó fue “Como casarse
con un millonario” (1953).
Surgió
una moda de poner canciones en los créditos, que luego se usan durante la
película. Alex North incorporó el jazz al cine en “Un tranvía llamado deseo”
(1951). También en Europa hubo grandes compositores de cine, destacan: Malcom
Arnold (“El puente sobre el rio Kwai”) y Nino Rota (“La dolce Vita” y “El
Padrino”).
4. Los años 60 y 70:
Esta
época se caracteriza por la utilización de la tecnología y la influencia del
pop.
La
película “Desayuno con diamantes”, marcará un antes y un después en el mundo de
la música. Henry Mancini repite un único motivo a lo largo de la película (Moon
River). Lo mismo ocurre posteriormente en “La pantera rosa”.
Se
inicio la moda de poner un tema famoso que se escucha durante toda la película
sin tener relación con la imagen. Estas melodías se convertían en éxitos
comerciales, gracias a la influencia del pop.
Mancini
incorporaba electrónica en sus temas para enriquecerlos musicalmente.
En
los años 70 surge el “Free Cinema” en Inglaterra, que habla sobre los problemas
sociales y el querer cambiar el mundo (“La naranja mecánica”). John Barry,
compositor de la BSO representa este estilo. Compuso grandes obras como “Memorias
de África” o “King Kong”.
Destaca
también Ennio Morricone, vanguardista de la música italiana. “El bueno el feo y
el malo” es su mejor obra, por eso renueva la música del “cine del oeste”.
Cabe
destacar más a fondo la influencia del pop, que se considera una crisis en la
música del cine porque se sobreponían canciones en los filmes en vez de hacer
verdaderas bandas sonoras.
5. Los años 80 y 90:
Se
recupera el concepto de banda sonora con John Williams y “La guerra de las
galaxias”. Recupera el sonido sinfónico sin ayuda de los sintetizadores.
Algunos títulos de este compositor son “Indiana Jones", “Tiburón2 o “E.T”.
El
griego Vangelis es el autor de “Carros de Fuego” y de “Blade Runner” y Jerry
Goldsmith rivaliza con Williams por obras como “Alien” o “El planeta de los
Simios”.
España:
En
nuestro país se empieza a crear música para el cine a partir de la Generación
del 27. Los primeros fueron Juan Quintero y Manuel Parada. El neorrealismo
italiano influyó en España con músicos como Maiztegui.
La
generación del 51 nace cuando se suaviza la censura, con una mentalidad más
moderna. Pertenece a esta generación Antón García Abril y Camilo Bernaola.
Hay
que destacar a Pepe Nieto (“El bosque animado”) y a Alejandro Amenabar (“La
Lengua de las Mariposas”, “Tesis”), también director de cine, ganadores de
varios premios Goya.
El Cine Musical
Se
llama así al cine en el que la música se convierte en parte esencial de la
película. La película puede estar desarrollada en torno a la música (“My Fair
Lady”) o bien tiene un gran peso, como en “Sonrisas y Lágrimas”.
1. Orígenes:
Este tipo de cine tiene su origen en el
musical de Broadway, muchas obras se representaron en un teatro y también en el
cine.
La primera obra conocida como musical es “The
Black Crock” (1866).
En Europa tiene origen en las Operetas, con
temas de broma y fantasiosos.
En EEUU estas obras tuvieron fama a comienzos
del siglo XIX, pero más tarde se desarrolló de forma más americana, y se
situaron en Broadway. Su gran esplendor fue en los años 20.
2. Desarrollo:
El comienzo del musical fue con la obra “The
Show Boat” en 1927, con un tema muy americano: la relación entre los blancos y
los negros en EEUU. Con canciones muy importantes en la trama y en los
sentimientos de cada personaje. Estas canciones están compuestas por Jerome
Kern, que mezcla la opereta y lo popular.
Más tarde compositores como George Gershwin
incluyen el estilo afroamericano en los musicales como “Porgy and Bess”, en
1935.
En los años 30 Broadway era una “fuente de
ideas”. “Oklahoma” en 1943 tenía música de Richard Rogers. Se caracterizó
por el uso del cuerpo de bailarines, como algo importante y el coro cantando de
forma estática. Se confirmo el éxito de este género tras la 2ª Guerra Mundial.
3. El cine y el musical:
El cine se aprovechó del éxito del teatro musical,
y perfeccionó el género llevándolo a Hollywood. Este tipo de cine está
caracterizado por la combinación perfecta de la música y la danza. Surge tras
el cine mudo y sobre todo desde la MGM. “Melodías de Brodway” en 1929 es la
primera película y “Cantando bajo la lluvia” (1952) es uno de los mejores
filmes.
https://youtu.be/nXkiULWgdiE
Se adaptan obras de teatro
clásicas como “Pigmalión”, que se convierte en “My Fair Lady” (1964), o “Romeo
y Julieta” en “West Side Story”. En Europa se adaptó “Oliver Twist” de Charles
Dickens en 1968. Todas estas películas son primero musicales de Broadway.
Más tarde, en los años 70 llega “Grease”.
A partir de los años 60 los temas son de
marginalidad y hablan de la sociedad. Películas reflejan esto como “Chicago”, “Cabaret”
(con Lizza MInelli) en 1972 o “Rocky Horror Picture Show”.
Estos espectáculos son de gran coste, por eso
Estados Unidos deja su interés y toma el relevo Europa, con películas como “Jesucristo
Superstar” (Webber), “Evita” o “El fantasma de la Ópera”.
4. Regreso del cine musical:
El cine musical resurgió a finales del siglo
XX, con películas como “Billy Elliot” o “Moulin Rouge”. Combinan la música pop
con la música popular.
“Chicago” es una gran película (antes un
musical) que resurgió el género al igual que “Moulin Rouge”. Más tarde tuvieron
éxito películas como “Camp Rock”, “High School Musical”, “Mamma Mia”, “Nine” o “Los
Miserables”, y en España, “Al otro lado de la cama”.
CONCLUSIÓN
Esperamos que el cine
musical siga teniendo un gran éxito en el futuro porque nos permite evadirnos
de la realidad, y disfrutar de la música y del cine si tener que ser grandes
entendidos.
EL
CINE EN OTROS PAÍSES:
El cine indio (Bollywood)
destaca por su gran producción de películas, y en muchas de ellas incluyen
números musicales con musical tradicional fusionada en la época actual con pop
y hip hop (para hacerla más comercial). El tema de muchas de ellas es el amor.
En otros países como China o los países
árabes también saben utilizar su folclore para que sean las bandas sonoras de sus
películas.
AUDICIONES
1- The
Artist: Tema principal
Intenta
representar el ambiente de una sala de cine de principios del siglo XX.
Esta
banda sonora tiene gran influencia del charlestón y del jazz, típicos de este
periodo de tiempo.
Elijo
esta audición porque la película habla sobre la decadencia del cine mudo tras
la llegada del cine sonoro. La banda y el piano acompañan a la imagen en esta
magnífica banda sonora, que aunque es de hace pocos años (Oscar: 2011), creo
que representa muy bien aquella época.
Enlace:
2- El
Cantante de Jazz: 1927
Fue
la primera película que incorporó el sonido ya dentro de ella.
Fue
una gran revolución para el cine y es un clásico. Esta audición nos muestra a
un hombre cantando una canción acompañada por la orquesta. El cantante de jazz
posee ciertas escenas habladas y canciones (Un ejemplo es “Mammy”).
Hay
que decir que este filme está basado en un espectáculo de Broadway.
Enlace:
3- Casablanca:1942, “As Time Goes By” Compositor: Max
Steiner
La
década de los 40 y los 50 fue la Edad de Oro del cine y una prueba de ello es
Casablanca. Tiene momentos memorables en la historia del cine con frases como
“Siempre nos quedará París” o “Presiento que este es el inicio de una gran
amistad”.
Pero
no podemos olvidar el “Tócala otra vez Sam”. Ingrid Bergman le pide al pianista
que toque una canción (“As Time Goes By”) y éste lo hace mientras ella recuerda
con melancolía su amor y al llegar el personaje de Humphrey Bogart le dice al
pianista que nunca debía tocar más esa canción (porque le recordaba a ella).
Esta
canción habla sobre la duración del amor y está interpretada por la voz y el
piano.
Enlace:
4- El
Graduado: 1967 “Mrs Robinson”: Simon & Garfunkel:
Esta
canción formó parte de la BSO de la película de “El graduado” (recordemos la
influencia del pop y de la tecnología en la música del cine de los años 60 y 70
y una pequeña crisis en la fabricación de las bandas sonoras)
Tiene
relación la canción con la película porque la señora Robinson es la futura
suegra del protagonista e intenta seducirle para que no se case con su hija.
Cuando en la canción habla de un secreto se refiere a la “aventura” que tiene.
La
canción está interpretada por el dúo Simon & Garfunkel que cantan en
homofonía acompañados de una guitarra eléctrica.
Enlace:
5- Psicosis:
1960, Alfred Hitchcock: “Tema de la ducha” Compositor: Bernard Herman
Este
motivo pertenece al momento en el que Marion se va a dar una ducha y aparece
Norman Bates (vestido de su madre) y la apuñala.
El
sonido de los violines representan las puñaladas (música descriptiva)
Y el
de los violonchelos cuando Marion está agonizando.
Es
una de las mejores bandas sonoras del cine, por su calidad técnica y tímbrica.
Y la escena de la ducha siempre será una de las más recordadas del cine.
Enlace:
6- Memorias
de África: 1985 Música: John Barry
Es
una de mis bandas sonoras favoritas. En los años 80 la banda sonora resurgió y
esta audición es prueba de ello. Es de una gran calidad tímbrica. Intenta
describir el paisaje de África con el sonido de toda la orquesta. La melodía
principal la interpreta la cuerda.
Enlace:
7- Pulp Fiction: 1994 Quentin Tarantino: “You never can
tell” Cantante: Chuck Berry
La
mujer de un mafioso (Uma Thurman) y un matón a sueldo (John Travolta) se
presentan a un concurso de twist. La canción que bailan es del cantante de los
años 50 Chuck Berry, esto demuestra que en el cine se incorporan como banda
sonora canciones que ya habían triunfado anteriormente y así las “rescataban”
del olvido
Enlace:
El Gran Gatsby: 2013 “Bang Bang" Will A.M:
Esta
canción pertenece a la versión que se hizo el año pasado de la película
homónima.
Este
tema se puede escuchar en una de las fastuosas fiestas que da Gatsby en su
mansión. Tiene influencia del jazz, del charlestón, del r&b y de la música
dance. Utiliza tanto la tecnología como una banda de música que le da el toque
“antiguo”. El cantante es Will Am un conocido cantante y rapero. Toda la banda
sonora de esta película impone la modernidad de esta nueva versión del filme
clásico.
Enlace:
8-
Volver: Pedro Almodóvar, 2006 Canción: Carlos Gardel
En
esta película se utiliza una canción ya existente, que es el tango “Volver” del
argentino Carlos Gardel. El tema en el filme lo interpreta Estrella Morente,
pero Penélope Cruz hace el playback.
Raimunda
vuelve al pueblo cuando su madre “supuestamente muerta” aparece. Expresa sus sentimientos con la canción.
La
guitarra y las palmas acompañan a la melodía.
Enlace:
9-
La Casa de las dagas voladoras, 2004 “Beauty Song Dance” Zhang
Yimou
Esta música pertenece
a la banda sonora de esta película china.
La
protagonista interpreta una danza tradicional para un hombre.
Ella
canta y baila y el acompañamiento es
realizado por instrumentos folclóricos. He querido enseñar esta audición porque
representa la música tradicional, el cine chino moderno y su perfecta fusión.
10-
Kal Ho Naa Ho,
2003 “Maahi Ve”, Bollywood
Esta canción pertenece a una película de
Bollywood, una de las industrias de cine más importantes del mundo.
Tiene
tema romántico, puesto que Maahi Ve significa amor. Es la canción cumbre de la
película, donde los protagonistas acompañados de sus familiares y amigos
demuestran su amor.
La
música de Bollywood se está occidentalizando por el gran uso de la tecnología y
de los instrumentos. Todos bailan y cantan y son muy felices en la boda de la
pareja.
Hay
que fijarse también en el vestuario, muy colorido igual que la puesta en
escena, típicamente de las películas de Bollywood.
Enlace:
Cine musical
11- Sonrisas y Lágrimas,1965 “So Long Farewell”
Esta
canción pertenece a la película musical Sonrisas y Lágrimas. Los niños la
cantan cuando se van a dormir después de una fiesta que se celebra en su casa y
se despiden de los invitados.
Hay
que fijarse las diferencias en el timbre de los niños depende de su edad, sexo
o tesitura cuando hacen su solo. La melodía es muy bonita y se la van
repartiendo entre los cantantes.
En
general toda la película tiene una banda sonora maravillosa y es una de las más
famosas del cine
12- Mamma Mia, 2008 “Voulez Vous”
Esta
canción pertenece a la película Mamma Mía basada en el musical homónimo con
canciones de Abba.
He
elegido esta audición porque es un musical moderno, con canciones “modernas”.
. De
repente los hombres llegan con máscaras para bailar con las mujeres Sophie y
Sky celebran su despedida de soltero por separado.
Al
mismo tiempo Sophie duda sobre quién de los tres exnovios
de
su madre, es su verdadero padre.
La
canción es al unísono y la cantan los chicos y las chicas repartiéndose la
melodía acompañados por una banda de rock
Enlace:
https://youtu.be/itmPWpddOsg?list=RDitmPWpddOsg
No hay comentarios:
Publicar un comentario